James 'Kingneon' Guçwa의 그림
( 발음: Gooz -wa)
K I N G N E O N
NS 학습 프로세스.
" 나는 아직 배우고 있다. ---미켈란젤로
"나도 그래" ---킹네온
제2장
내 소개 페이지에서 언급했듯이 나는 손에 붓을 들고 태어났습니다. 최소한 병원 직원은 충격을 받았습니다. 사실 예술은 내 DNA에 있고, 아버지는 예술가이셨지만 나와는 달리 예술을 직업으로 선택하지 않으셔서 열정과 결단력이 그렇게 강하지 않았을 것이다. 자라면서 나는 항상 그림을 그렸고, 나의 열두 번째 생일에 어머니는 나에게 유화 키트를 주셨고, 열다섯에 어머니는 나를 가정 미술 교육 과정에 등록시켰습니다. 고마워요, 엄마.
고등학교를 졸업한 후 저는 뉴저지 주 뉴어크에 있는 뉴어크 미술 학교에서 첫 해를 보냈습니다. 이듬해 여름 저는 뉴욕시에 있는 School of Visual Arts에서 광고 예술을 공부했습니다. 그러나 광고 아티스트로서 내가 반드시 지원하지 않아도 되는 제품에 대한 광고를 만드는 일을 하게 될 것이라는 사실을 깨닫는 데는 그리 오랜 시간이 걸리지 않았습니다. 그 때 나는 나를 위한 유일한 만족스러운 예술 직업이 훌륭한 예술가(굶어 죽든 그렇지 않든)가 되어야 한다고 결정했습니다. 처음부터 사실적으로 그리고 그림을 그릴 필요가 있었습니다. 60년대 후반부터 70년대 초반까지 포토리얼 아트 운동의 선구자를 발견했을 때 Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close 등과 같은 예술가들을 만났을 때 저는 그들의 발자취를 따라 사진처럼 사실적으로 그림을 그리기로 결심했습니다. 사실 저는 Arizone State University의 석사 과정에서 Ralph Goings와 함께 간략하게 공부했습니다.
나는 더 많은 우위가 필요하다고 생각하여 Memphis Academy of Art에 등록했습니다. 나는 또래 친구들의 에너지를 사랑했지만 교수님들에게 실망했습니다. 그들은 추상 표현주의, 미니멀리스트, 기껏해야 표현주의 시대에서 왔습니다. 따라서 그들은 내가 나의 광적인 야망을 발전시키는 데 도움이 될 수 없었습니다. 그러나 내 더 나은 그림 교수 중 한 명은 미국의 살아있는 현대 사진 사실주의 화가에게 개인적으로 연락하여 그들과 나란히 공부하기 위해 (Old Masters가 그들의 스튜디오에서 그들과 함께 작업하기 위해 견습생을 고용한 것처럼) 개인적으로 제안했습니다. 몇 번의 시도 끝에 현대의 포토리얼리스트인 고 그레고리 길레스피(Gregory Gillespie)가 내 제안을 받아들였을 때 나는 감격했습니다.
나는 그 여름을 길레스피와 함께 공부하면서 보냈다. 견습 기간이 끝나고 배운 모든 것이 머릿속에 생생하게 남아 있는 동안 나는 어딘가에 가서 그림을 그리기로 결정했습니다. Paul Gaughan이 타히티에서 보낸 세월을 기억하며 저는 자마시아 섬을 선택했습니다. 물감, 붓, 이젤을 인양하고 관광객이 없는 작은 마을을 발견할 때까지 섬을 탐험하고 집을 빌리고 미술 용품을 꾸리고 코코넛 물과 붉은 줄무늬 맥주를 마시며 낙원에서 그림을 그리기 시작했습니다. .
미국으로 돌아온 후 나는 파트 타임으로 간판 화가로 일하기 시작했고 대부분의 시간을 캔버스에 그림을 그렸습니다. 그 초기에 나는 여전히 내 시그니처 스타일을 찾고 있었는데, 미술관은 그런 성숙도를 찾지 못한 예술가를 대표하지 않는다는 것을 알고 있었습니다. 어느 날 갑자기 깨달음을 얻었습니다! 기업용 간판을 그리는 대신 캔버스에 40~50년대의 빈티지한 길가 네온사인을 미술로 그리기 시작하여 사진처럼 사실적으로 그렸습니다.
오래된 네온 사인의 대형 포토리얼 캔버스'는 나에게 다음 갤러리를 얻었습니다. 마이애미에서 스코츠데일까지, LA에서 샌프란시스코까지, 그리고 마침내 뉴욕시에서 원맨쇼. 열정, 근면, 확고한 결의가 핵심입니다. 갤러리 쇼 외에도 1998년에 저는 Harley-Davidson, Chevolet/Corvette, Mattel Toys의 "공식 라이선스" 미술가가 되었습니다. 그 이후로 나는 꿈을 꾸고 있습니다.
Gregory Gillespie의 스튜디오에 있는 Gucwa.
길레스피 자화상.
리처드 에스테스의 그림
척 클로즈 페인팅
랄프 고잉스 그림.
나의 첫 포토리얼 그림, '유타나 모텔.'
Discovering Our Fullest Potential
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Sure, I understand that galleries want to represent quality artists, but they also want their artists to reflect an identifying signature style—something that holds the work together. Works that a collector could identify even without searching for the actual signature of the artist. As a young naive painter eager for gallery representation this is something I wasn’t aware of at the time.
I was 32 years old living in Coconut Grove, Florida. The gallery I wanted to get into was in the neighboring town of Coral Gables. When I had completed six strong paintings, I gathered them up and drove to the gallery. The gallery director slowly studied each of them and finally said, “I’m sorry James, but I afraid we won’t be able to represent you. You’re not yet a mature artist.” I was 32, and at that moment, bewildered. “May I ask what you mean by mature?" I asked. "Well, you’re a very good artist. Each one of these painting hold up on their own, but they don’t hold together as a group. You have a landscape, a portrait, a still life, urban scene, figure study, and a trompe l’oeil piece. That’s what I mean by ‘mature.’ Please come back with paintings that fit my requirement.”
Normally, it takes an artist an experimental, often frustrating period to find a signature style. Once I found that nitche, I was off and running. For the past 36 years I’ve been painting photorealistic, vintage neon roadsigns with very satifactory results. But after completing hundreds of these paintings, I yearned to try something fresh; a subject or style I’ve never attempted before. The problem was that the galleries representing me were only interested in my neon paintings. This was disappointing. I felt I was trapped and not allowed to find my fullest potential.
Recently, I watched a documentary hosted by the director and assistant director of a large museum. As they walked from painting to painting they commented about the artist or their style. When they came upon one painting, they stopped and the director said, “Thankfully this artist took a step away from his recognized works and began to experiment in new directions. Because he did, he’s now in every major museum in the world.”
The well known painter, Egon Schiel, had this to say on the subject: “The artist must, at all costs, be himself. He must be a creator. He must build the foundation of his new art himself without reference to tradition or the past.”
When Covid hit, wanting to avoid crowds I spent even more time in my studio painting, that’s when I decided to try something different. You might have noticed on my website a page labeled, Available Paintings. There you will find the first few steps I took outside the box. Initially, the first was series of Fauve works, next I painted a few Equine subjects posted on the same page. I knew the galleries representing me would not be interested. I painted them anyway. On another page labeled, Recent Paintings, are several more non-neon works.
I’m currently in the market for a quality gallery that likes some of these more recent subjects who would be willing to show them. In fact, if there was a particular painting they favored, I would be thrilled to paint additional pieces which reflected a similar style. These newer paintings still maintain a quality of painting I have developed over the years. I would ask the gallery to consider that point and allow the artist to express their fullest creativity.
“In the new renaissance, we get to start over. We get to re-invent ourselves as much as is necessary, without sticking to a particular path for too long if it doesn’t suit our creative needs. Our first job as artists, then, is to venture out, away from what we think we know in search of the new and unexplored. Great artists do this their entire lives, never staying stuck in a single style, even when it brings them wealth and fame. We must always be striving to re-invent ourselves, continuing to build on who we are and what we’ve done.” —Real Artists Don't Starve, Jeff Goins
Artsy Shark conducted a competition and awarded me as a featured artist. Here is the 2024 article.
삶 같이 NS 아티스트
구하는 시작했다
1장
지속적인 현금 흐름이 필요한 사회에서 꿈을 이루는 비결은 무엇일까요? 매트릭스에서 어떻게 벗어나나요? 젊은 예술가는 자신의 예술 작품 판매를 어떻게 지원할 수 있습니까? 대부분의 야심 찬 예술가는 일반적으로 즉시 오지 않는 고품질 미술관의 표현을 원합니다.
그 갤러리 표현을 얻기 위해 예술가는 먼저 자신의 틈새, 방향을 찾아야 합니다. . . 식별 서명 스타일. 오늘날의 세계에서는 단순히 재능이 있는 것 이상의 것이 필요합니다. 갤러리 또는 수집가는 귀하의 작품을 하나의 단위로 묶고 서명 없이도 식별할 수 있는 고유한 특성을 귀하의 예술 작품에 원합니다. '개인적인 스타일'을 발견하려면 스튜디오에서 오랜 시간 집중하고 실험해야 하는 경우가 많습니다. 그러나 항상 방해가 되는 한 가지 문제가 있습니다. 바로 성가신 생활비입니다.
예술가 지망생이 생활비를 충당하기 위해 외부 일을 해야 할 때, 그것은 스튜디오에서 몇 시간 떨어져 있음을 의미합니다. 즉, 전업 예술가가 되는 목표를 더 멀리 만드는 집중력의 휴식입니다. 당신이 좋아하지 않는 직장에서 일주일에 40시간을 일한다면, 하루 일과가 끝날 때 스튜디오에서 일을 시작할 에너지가 없을 수도 있습니다. 그렇다면 어떻게 그 꿈을 이루고 극복할 수 없는 것처럼 보이는 장애물을 극복할 수 있을까요?
나에게는 아주 어릴 때부터 '캔버스를 그리는 데 평생을 바치고 싶다'는 걸 알았다. 나는 목표가 말보다 쉽다는 것을 빨리 발견했습니다. 우선 순위를 정해야만 거기에 도달할 수 있다는 것을 깨달았습니다. 저를 러닝머신 위에서 계속 달리게 한 한 가지 큰 요인은 부채였습니다. 내가 예술의 세계에 발을 들인다면 지불해야 할 청구서가 더 적다면 스튜디오 밖에서 일할 필요가 없다는 것을 깨달았습니다.
물론, 우리는 모두 다른 필요를 가지고 있습니다. 어떤 사람들은 다른 사람들보다 덜 편안하게 살 수 있습니다. 제 경우에는 모기지나 집세와 같은 가장 큰 비용을 없애기 위해 필요하다면 기꺼이 밴에서 자고 싶었습니다. 신용 카드 없이 사는 것은 쉽습니다(적어도 저에게는 그랬습니다). 자동차 결제에 묶인다는 것은 의심의 여지가 없었습니다. 나에게는 비용을 하나씩 줄이면 삶의 스트레스와 부담이 줄어들었지만, 실제로 짐을 가볍게 하기 위해서는 가장 큰 재정적 부담을 등 뒤에서 내려놓아야 했다. 그래서 나는 1년을 쉬고 Arkansas Ozark Mountains의 오지에 있는 저렴하고 한적한 몇 에이커를 사서 혼자 집과 스튜디오를 지었습니다. 당시 저는 건축 경험이 없었습니다. 자유롭고자 하는 굳은 의지만 있을 뿐이었다.
분명히, 우리 모두는 나의 비정통적인 길을 따를 수 없습니다. 야심찬 예술가가 손에 넣을 수 있는 한 가지는 그래픽 아트, 저렴한 초상화 그림, 핀스트라이프 또는 손으로 그린 표지판, 가정 벽화, 서예 또는 백과 같은 일종의 예술적 서비스를 제공하여 창의력을 발휘하는 것입니다. 풀 타임이 아닌 파트 타임으로 일할 수 있도록 충분한 추가 현금을 가져올 수있는 다양한 예술적 노력. 허리띠를 졸라매고 나면 그 시간제 독립 노동으로 월 지출을 충당할 수 있을 것입니다. 제 경우에는 소규모 영세업체를 위한 손글씨 간판을 그리기 시작했습니다. 일주일 동안 간판을 칠하면 한 달 동안 청구서를 지불하기에 충분한 돈이 생겼고, 나머지 3주를 스튜디오에서 내 서명 스타일을 개발하는 데 보낼 수 있는 충분한 시간을 주었습니다.
결론 . . . 최소한 초기에는 미술품 판매만으로 생존이 현실이 될 정도로 예술가가 인정받고 자리를 잡기까지 시간이 걸리기 때문에 부채를 없애고, 장마 기금을 마련하고, 구매를 줄여 비용을 최소한으로 합리화하십시오.