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NS 学ぶ プロセス。

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私はまだ学んでいます    ---ミケランジェロ
"私もです"
    ---キングネオン

第II章

 

「About」のページで述べたように、私は絵筆を手に持って生まれました。控えめに言っても、病院のスタッフはショックを受けました。実際、芸術は私のDNAの中にあり、父は芸術家でしたが、私とは異なり、彼は職業ほど芸術を選ばなかったので、彼の情熱と決意はそれほど強くなかったに違いありません。子供の頃、私はいつも絵を描いていました。12歳の誕生日に、母は私に油絵キットをくれました。15歳のときに、母は私をホームアートの指導コースに登録しました。ありがとう、お母さん。

高校卒業後、ニュージャージー州ニューアークにあるニューアーク美術学校で美術を学びました。次の夏、私はニューヨーク市のスクールオブビジュアルアーツで広告アートを学びました。しかし、私が広告アーティストとして、必ずしもサポートしているとは限らない製品の広告を作成するために雇われることに気付くのに、それほど時間はかかりませんでした。その時、私にとって満足のいくアートのキャリアは、(飢えているかどうかにかかわらず)優れたアーティストとしてでなければならないと決めました。最初から、リアルに描いたり描いたりする必要がありました。 60年代後半から70年代初頭にかけてのフォトリアルアートムーブメントのパイオニアであるリチャードエステス、ラルフゴイングス、チャッククローズなどのアーティストを発見したとき、私は彼らの足跡をたどり、フォトリアリスティックに写真を描くことを決意しました。実際、私はアリゾン州立大学の修士課程でラルフ・ゴーイングスに簡単に勉強しました。

追加のエッジが必要だと思って、メンフィス美術大学に入学しました。私は学生の仲間のエネルギーを愛していましたが、教授にはがっかりしました。彼らは抽象表現主義者、ミニマリスト、そしてせいぜい表現主義者の時代から来ました。 そういうものとして、彼らは私が私の光の野心を開発するのを助けることができませんでした。しかし、私の優れた絵画教授の1人は、彼らと一緒に勉強するために、米国に住む現代のフォトリアリストの画家に個人的に連絡することを提案しました(オールドマスターが彼らのスタジオで彼らと一緒に働くために見習いを雇ったように)。何度か試みた後、現代のフォトリアリストである故グレゴリー・ギレスピーが私の提案を受け入れたとき、私はわくわくしました。

 

 

 

 

 

 

 

 

私はその夏をGillespieと一緒に勉強しました。 見習いが終わった後、私が学んだことはすべてまだ頭の中で新鮮でしたが、私はどこかに行ってただ絵を描くことにしました。タヒチでのポール・ゴーガンの年を思い出して、私はジャマイカの島を選びました。絵の具、ブラシ、イーゼルを持って島を探索し、観光客のいない小さな町を見つけ、家を借り、画材を手に入れ、ココナッツウォーターとレッドストライプビールを飲みながら楽園で絵を描き始めました。 。

州に戻ると、私はパートタイムでサインペインターとして働き始め、ほとんどの場合キャンバスをペイントしていました。当時、私はまだ自分のシグネチャースタイルを探していました。アートギャラリーは、そのレベルの成熟度を見つけられなかったアーティストを代表していないことを知っていました。ある日、突然、私はひらめきを覚えました!ビジネス向けの看板を描く代わりに、40年代と50年代のヴィンテージの道端のネオンサインをファインアートとしてキャンバスに描き始め、写真のようにリアルに描きました。

 

 

 

 

 

 

 

 

古いネオンサインの大きなフォトリアルキャンバスは、次々とギャラリーを手に入れました。マイアミからスコッツデール、LAからサンフランシスコ、そして最後にニューヨーク市での個展。情熱、勤勉、そして揺るぎない決意が鍵となります。ギャラリーショーの他に、1998年にハーレーダビッドソン、シボレー/コルベット、マテルトイズの「公式ライセンス」のファインアーティストになりました。それ以来、私は夢を生き続けています。

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グレゴリー・ギレスピーのスタジオのグクワ。

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ジレスピーの自画像。

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リチャードエステスの絵

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チャッククローズ塗装

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ラルフ・ゴイングスの絵。

私の最初のフォトリアル絵画、  「ユタナモーテル。」

Discovering Our Fullest Potential

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Sure, I understand that galleries want to represent quality artists, but they also want their artists to reflect an identifying signature style—something that holds the work together. Works that a collector could identify even without searching for the actual signature of the artist. As a young naive painter eager for gallery representation this is something I wasn’t aware of at the time.

I was 32 years old living in Coconut Grove, Florida. The gallery I wanted to get into was in the neighboring town of Coral Gables. When I had completed six strong paintings, I gathered them up and drove to the gallery. The gallery director slowly studied each of them and finally said, “I’m sorry James, but I afraid we won’t be able to represent you. You’re not yet a mature artist.” I was 32, and at that moment, bewildered. “May I ask what you mean by mature? I asked. Well, you’re a very good artist. Each one of these painting hold up on their own, but they don’t hold together as a group. You have a landscape, a portrait, a still life, urban scene, figure study, and a trompe l’oeil piece. That’s what I mean by ‘mature.’ Please come back with paintings that fit my requirement.”

Normally, it takes an artist an experimental, often frustrating period to find a signature style. Once I found that nitche, I was off and running. For the past 36 years I’ve been painting photorealistic, vintage neon roadsigns with very satifactory results. But after completing hundreds of these paintings, I yearned to try something fresh; a subject or style I’ve never attempted before. The problem was that the galleries representing me were only interested in my neon paintings. This was disappointing. I felt I was trapped and not allowed to find my fullest potential.

Recently, I watched a documentary hosted by the director and assistant director of a large museum. As they walked from painting to painting they commented about the artist or their style. When they came upon one painting, they stopped and the director said, “Thankfully this artist took a step away from his recognized works and began to experiment in new directions. Because he did, he’s now in every major museum in the world.”

The well known painter, Egon Schiel, had this to say on the subject: “The artist must, at all costs, be himself. He must be a creator. He must build the foundation of his new art himself without reference to tradition or the past.”

When Covid hit, wanting to avoid crowds I spent even more time in my studio painting, that’s when I decided to try something different. You might have noticed on my website a page labeled, Available Paintings. There you will find the first few steps I took outside the box. Initially, the first was series of Fauve works, next I painted a few Equine subjects posted on the same page. I knew the galleries representing me would not be interested. I painted them anyway. On another page labeled, Recent Paintings, are several more non-neon works.

I’m currently in the market for a quality gallery that likes some of these more recent subjects who would be willing to show them. In fact, if there was a particular painting they favored, I would be thrilled to paint additional pieces which reflected a similar style. These newer paintings still maintain a quality of painting I have developed over the years. I would ask the gallery to consider that point and allow the artist to express their fullest creativity.

 

In the new renaissance, we get to start over. We get to re-invent ourselves as much as is necessary, without sticking to a particular path for too long if it doesn’t suit our creative needs. Our first job as artists, then, is to venture out, away from what we think we know in search of the new and unexplored. Great artists do this their entire lives, never staying stuck in a single style, even when it brings them wealth and fame. We must always be striving to re-invent ourselves, continuing to build on who we are and what we’ve done.”                                     —Real Artists Don't Starve, Jeff Goins

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Show me the Way
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人生 なので NS アーティスト

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取得  スタート

第1章

 

継続的な現金の流れを必要とする社会で夢を生きる秘訣をどうやって見つけるのでしょうか。マトリックスから抜け出すにはどうすればよいですか? 若い芸術家はどのようにして彼らの芸術の販売で彼ら自身を支えることができますか?ほとんどの意欲的なアーティストは、通常すぐには来ない質の高いアートギャラリーの表現を求めています。

そのギャラリー表現を得るために、アーティストは最初に彼ら自身のニッチ、方向を見つけなければなりません。 。 。識別署名スタイル。今日の世界では、才能があるだけでは不十分です。ギャラリーやコレクターは、あなたのアートに、あなたの作品を1つの単位としてまとめ、署名がなくても識別できる独自の特徴を持たせたいと考えています。 「パーソナルスタイル」を発見するには、スタジオで長時間の集中と実験を行う必要があります。しかし、常に邪魔になる問題が常に1つあります。それは、厄介な生活費です。

意欲的なアーティストが生活費を賄うために外部の仕事をしなければならないとき、それはスタジオから何時間も離れることを意味します-フルタイムのアーティストになるという目標をより遠くにする集中力の中断。週に40時間、楽しくない仕事をしていると、仕事の終わりにスタジオで仕事を始めるエネルギーがないかもしれません。では、どのようにして夢を実現し、そのような一見克服できない障害を克服するのでしょうか。

私にとって、私は幼い頃から、人生をキャンバスの絵付けに費やしたいと思っていました。私はすぐに、目的は口で言うほど簡単ではないことに気づきました。優先順位を設定することによってのみそこに到達できることに気づきました。私がトレッドミルで走り続けた大きな要因の1つは、借金でした。アートの世界に足を踏み入れたとしたら、支払うべき請求書が少なければ、スタジオの外で仕事をする必要がないことに気づきました。

もちろん、私たちは皆、異なるニーズによって異なります。他の人よりも少ない快適さで暮らせる人もいます。私の場合、リストの最大の費用である住宅ローンや家賃をなくすために、必要に応じてバンで寝ることをいとわなかった。クレジットカードなしで生活するのは簡単です(少なくとも私にとってはそうでした)。車の支払いに縛られることは問題外でした。私にとっては、1つずつ経費を削減することで、人生のストレスや負担が軽減されましたが、本当に負担を軽くするためには、最大の経済的負担を背負わなければなりませんでした。 それで、私は1年休み、アーカンソーオザーク山脈の奥地にある安価で人里離れたエーカーを数エーカー購入し、一人で家とスタジオを建てました。当時、私は建築の経験がありませんでした。 私は自由であるという激しい決意しか持っていませんでした。 

明らかに、私たち全員が私の非正統的な道をたどることはできません。意欲的なアーティストが理解できることの1つは、グラフィックアート、安価なポートレートペインティング、ピンストライプまたは手描きの看板、家の壁画、書道、または100のような、ある種の芸術サービスを提供することによって、彼らの創造性を利用することです。フルタイムではなくパートタイムで働くことを可能にするのに十分な余分な現金をもたらすかもしれないさまざまな芸術的努力。彼らがベルトを締めたら、そのパートタイムの独立した仕事は彼らの毎月の費用をカバーするのに十分かもしれません。 私の場合、私は小さなママとポップのビジネスのために手書きの看板を描き始めました。看板を1週間塗ると、1か月分の請求書を支払うのに十分なお金と、残りの3週間をスタジオで署名スタイルの開発に費やすのに十分な時間が得られました。 

結論。 。 。少なくとも最初は、借金をなくし、雨の日の基金を設立し、アーティストが認められて確立されるまでに時間がかかるため、アートの販売だけで生き残ることが現実になるまで、費用を最小限に抑えます。

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