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Les  Apprentissage  Processus.

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" " J'apprends encore     ---Michel-Ange
"donc je suis"
    ---Kingnéon

Chapitre II

 

Comme je l'ai mentionné sur ma page À propos, je suis né avec un pinceau à la main, c'est le moins qu'on puisse dire, le personnel de l'hôpital a été choqué. En fait, l'art est dans mon ADN, mon père était artiste mais contrairement à moi, sa passion et sa détermination ne devaient pas être aussi fortes puisqu'il n'a pas choisi l'art comme métier. Quand j'étais enfant, je dessinais toujours, et à mon douzième anniversaire, ma mère m'a offert un kit de peinture à l'huile, et à quinze ans, elle m'a inscrit à un cours d'art à domicile. Merci maman.

Après le lycée, j'ai passé ma première année d'études d'art à la Newark School of Fine Arts, à Newark, New Jersey. L'été suivant, j'ai étudié l'art publicitaire à la School of Visual Arts de New York. Il ne m'a pas fallu longtemps, cependant, pour réaliser qu'en tant qu'artiste publicitaire, je serais employé à créer des publicités pour des produits que je ne soutenais pas nécessairement. C'est à ce moment-là que j'ai déterminé que la seule carrière artistique satisfaisante pour moi serait celle d'un bon artiste (affamé ou non). Dès le départ, j'ai eu besoin de dessiner et de peindre de façon réaliste. Lorsque j'ai découvert les pionniers du mouvement de l'art photoréaliste de la fin des années 60 au début des années 70 - des artistes comme Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close et d'autres, je suis devenu déterminé à suivre leurs traces et à peindre de manière photo-réaliste, dans En fait, j'ai étudié brièvement avec Ralph Goings dans une classe de maîtrise à l'Université d'État d'Arizone.

Pensant que j'avais besoin d'un avantage supplémentaire, je me suis inscrit à la Memphis Academy of Art. J'aimais l'énergie de mes camarades étudiants, mais j'étais déçu par mes professeurs. Ils sont venus de l'ère des expressionnistes abstraits, des minimalistes et, au mieux, des expressionnistes.  A ce titre, ils ne pouvaient pas m'aider à développer mes ambitions photographiques. L'un de mes meilleurs professeurs de peinture, cependant, m'a suggéré de contacter personnellement un peintre photoréaliste contemporain vivant aux États-Unis pour tenter d'étudier côte à côte avec eux (comme les anciens maîtres employaient des apprentis pour travailler avec eux dans leur atelier). Après quelques tentatives, j'ai été ravi lorsque le photoréaliste contemporain, le regretté Gregory Gillespie, a accepté ma proposition.

 

 

 

 

 

 

 

 

J'ai passé cet été à étudier avec Gillespie.  Une fois mon apprentissage terminé, et alors que tout ce que j'ai appris était encore frais dans ma tête, j'ai décidé d'aller quelque part et de peindre. En souvenir des années de Paul Gaughan à Tahiti, j'ai opté pour l'île de Jamacia. Avec mes peintures, mes pinceaux et mon chevalet, j'ai exploré l'île jusqu'à ce que je trouve une petite ville sans touristes, loue une maison, range mes fournitures artistiques et commence à peindre au paradis tout en sirotant de l'eau de coco et des bières Red Stripe. .

Une fois de retour aux États-Unis, j'ai commencé à travailler comme peintre d'enseignes à temps partiel et à peindre sur toile la plupart du temps. À ces débuts, je cherchais encore mon style de signature, sachant que les galeries d'art ne représentaient pas des artistes qui n'avaient pas trouvé ce niveau de maturité. Un jour, à l'improviste, j'ai eu une révélation ! Au lieu de peindre des enseignes pour les entreprises, je commencerais à peindre des enseignes au néon vintage en bordure de route des années 40 et 50 sur toile - comme des beaux-arts, et je les peindrais de manière photo-réaliste.

 

 

 

 

 

 

 

 

Les grandes toiles photoréalistes des anciennes enseignes au néon m'ont valu une galerie après l'autre. De Miami à Scottsdale, de LA à San Francisco et enfin des one-man shows à New York. La passion, le travail acharné et une détermination sans faille sont la clé. Outre les expositions en galerie, en 1998, j'ai été nommé artiste sous licence officielle pour Harley-Davidson, Chevolet/Corvette et Mattel Toys. Depuis, je vis mon rêve.

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Gucwa dans l'atelier de Gregory Gillespie.

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Autoportrait de Gillespie.

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Peinture de Richard Estes

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Peinture de Chuck Close

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Peinture de Ralph Goings.

Ma toute première peinture photoréaliste,  « Motel Utahna ».

Discovering Our Fullest Potential

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Sure, I understand that galleries want to represent quality artists, but they also want their artists to reflect an identifying signature style—something that holds the work together. Works that a collector could identify even without searching for the actual signature of the artist. As a young naive painter eager for gallery representation this is something I wasn’t aware of at the time.

I was 32 years old living in Coconut Grove, Florida. The gallery I wanted to get into was in the neighboring town of Coral Gables. When I had completed six strong paintings, I gathered them up and drove to the gallery. The gallery director slowly studied each of them and finally said, “I’m sorry James, but I afraid we won’t be able to represent you. You’re not yet a mature artist.” I was 32, and at that moment, bewildered. “May I ask what you mean by mature? I asked. Well, you’re a very good artist. Each one of these painting hold up on their own, but they don’t hold together as a group. You have a landscape, a portrait, a still life, urban scene, figure study, and a trompe l’oeil piece. That’s what I mean by ‘mature.’ Please come back with paintings that fit my requirement.”

Normally, it takes an artist an experimental, often frustrating period to find a signature style. Once I found that nitche, I was off and running. For the past 36 years I’ve been painting photorealistic, vintage neon roadsigns with very satifactory results. But after completing hundreds of these paintings, I yearned to try something fresh; a subject or style I’ve never attempted before. The problem was that the galleries representing me were only interested in my neon paintings. This was disappointing. I felt I was trapped and not allowed to find my fullest potential.

Recently, I watched a documentary hosted by the director and assistant director of a large museum. As they walked from painting to painting they commented about the artist or their style. When they came upon one painting, they stopped and the director said, “Thankfully this artist took a step away from his recognized works and began to experiment in new directions. Because he did, he’s now in every major museum in the world.”

The well known painter, Egon Schiel, had this to say on the subject: “The artist must, at all costs, be himself. He must be a creator. He must build the foundation of his new art himself without reference to tradition or the past.”

When Covid hit, wanting to avoid crowds I spent even more time in my studio painting, that’s when I decided to try something different. You might have noticed on my website a page labeled, Available Paintings. There you will find the first few steps I took outside the box. Initially, the first was series of Fauve works, next I painted a few Equine subjects posted on the same page. I knew the galleries representing me would not be interested. I painted them anyway. On another page labeled, Recent Paintings, are several more non-neon works.

I’m currently in the market for a quality gallery that likes some of these more recent subjects who would be willing to show them. In fact, if there was a particular painting they favored, I would be thrilled to paint additional pieces which reflected a similar style. These newer paintings still maintain a quality of painting I have developed over the years. I would ask the gallery to consider that point and allow the artist to express their fullest creativity.

 

In the new renaissance, we get to start over. We get to re-invent ourselves as much as is necessary, without sticking to a particular path for too long if it doesn’t suit our creative needs. Our first job as artists, then, is to venture out, away from what we think we know in search of the new and unexplored. Great artists do this their entire lives, never staying stuck in a single style, even when it brings them wealth and fame. We must always be striving to re-invent ourselves, continuing to build on who we are and what we’ve done.”                                     —Real Artists Don't Starve, Jeff Goins

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Show me the Way
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La vie  comme  un  Artiste

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Obtenir   Commencé

Chapitre I

 

Comment trouver le secret pour vivre le rêve dans une société qui demande un flux continu d'argent ? Comment sortir de la Matrice ?  Comment le jeune artiste peut-il subvenir à ses besoins sur les ventes de son art ? La plupart des artistes en herbe recherchent la représentation d'une galerie d'art de qualité, ce qui ne vient généralement pas immédiatement.

Afin d'obtenir cette représentation en galerie, l'artiste doit d'abord trouver son propre créneau, une direction. . . un style de signature identitaire. Dans le monde d'aujourd'hui, il faut plus qu'être talentueux. Une galerie ou un collectionneur souhaite que votre art ait une ou plusieurs caractéristiques uniques qui maintiennent votre travail ensemble en tant qu'unité et soient identifiables même sans votre signature. Pour découvrir ce « style personnel », il faut souvent passer de longues heures de concentration et d'expérimentation en studio. Mais, il y a toujours un problème qui fait toujours obstacle : ces dépenses de subsistance embêtantes.

Lorsque l'artiste en herbe doit travailler à l'extérieur pour couvrir ses frais de subsistance, cela signifie des heures loin du studio - une pause dans la concentration qui rend plus éloigné l'objectif de devenir un artiste à temps plein. Si vous travaillez quarante heures par semaine à un travail que vous n'appréciez pas, vous n'aurez peut-être pas l'énergie à la fin de la journée de travail pour commencer à travailler en studio. Alors, comment réaliser le rêve et surmonter ces obstacles apparemment insurmontables ?

Pour ma part, j'ai su dès mon plus jeune âge que je voulais passer ma vie à peindre des toiles jusqu'au bout. J'ai rapidement découvert que l'objectif était plus facile à dire qu'à faire. J'ai réalisé que je ne pouvais y arriver qu'en fixant des priorités. Un facteur énorme qui m'a fait courir sur le tapis roulant était la dette. Si je devais percer dans le monde de l'art, j'ai réalisé que je n'aurais pas autant à travailler en dehors de l'atelier si j'avais moins de factures à payer.

Bien sûr, nous sommes tous différents avec des besoins différents. Certains peuvent vivre avec moins de confort que d'autres. Dans mon cas, j'étais prêt à dormir dans ma camionnette s'il le fallait afin d'éliminer la plus grosse dépense de la liste - une hypothèque ou un loyer. C'est facile de vivre sans carte de crédit (du moins pour moi c'était le cas). Il était hors de question d'être lié par un paiement de voiture. Pour moi, en réduisant les dépenses, une à une, la vie est devenue moins stressante et exigeante, mais pour vraiment alléger ma charge, j'ai dû me débarrasser du plus gros fardeau financier.  J'ai donc pris une année sabbatique et acheté quelques hectares isolés et peu coûteux dans les bois des montagnes Arkansas Ozark et, à moi seul, j'ai construit une maison et un studio. A l'époque, je n'avais aucune expérience en bâtiment.  Je n'avais que la farouche détermination d'être libre. 

Évidemment, nous ne pouvons pas tous suivre mon chemin peu orthodoxe. Une chose qui pourrait être à la portée de l'artiste en herbe serait d'utiliser sa créativité en offrant un service artistique quelconque, comme de l'art graphique, des portraits peu coûteux, des panneaux à rayures ou peints à la main, des peintures murales, de la calligraphie ou une centaine différentes activités artistiques qui pourraient leur rapporter suffisamment d'argent supplémentaire pour leur permettre de travailler à temps partiel plutôt qu'à temps plein. Une fois qu'ils se sont serré la ceinture, ce travail indépendant à temps partiel pourrait suffire à couvrir leurs dépenses mensuelles.  Dans mon cas, j'ai commencé à peindre des enseignes manuscrites pour les petites entreprises familiales. Peindre des panneaux pendant une semaine m'a donné assez d'argent pour payer mes factures pendant un mois et assez de temps pour passer les trois autres semaines dans mon studio à développer mon style signature. 

En bout de ligne. . . au moins au début, rationalisez vos dépenses au minimum en éliminant les dettes, en créant un fonds pour les jours de pluie et en achetant moins, car il faut un certain temps avant qu'un artiste ne soit reconnu et établi au point où la survie des ventes d'art seule est une réalité.

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