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los  Aprendiendo  Proccess.

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" " Todavía estoy aprendiendo     --- Miguel Ángel
"Yo también"
    --- Kingneon

Capitulo dos

 

Como mencioné en mi página Acerca de, nací con un pincel en la mano, por decir lo menos, el personal del hospital se sorprendió. En realidad, el arte está en mi ADN, mi padre era artista pero, a diferencia de mí, su pasión y determinación no deben haber sido tan fuertes ya que no eligió el arte como profesión. Cuando era niño, siempre dibujaba, y en mi duodécimo cumpleaños mi madre me dio un kit de pintura al óleo, y a los quince me inscribió en un curso de instrucción de arte en casa. Gracias mamá.

Después de la secundaria, pasé mi primer año de estudios de arte en la Escuela de Bellas Artes de Newark, en Newark, Nueva Jersey. El verano siguiente estudié arte publicitario en la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York. Sin embargo, no tardé en darme cuenta de que, como artista publicitario, me emplearían en la creación de anuncios de productos que no necesariamente apoyaba. Fue entonces cuando decidí que la única carrera artística satisfactoria para mí tendría que ser como artista fino (hambriento o no). Desde el principio, tuve la necesidad de dibujar y pintar de manera realista. Cuando descubrí a los pioneros del movimiento de arte fotorrealista de finales de los sesenta hasta principios de los setenta, artistas como Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close y otros, me decidí a seguir sus pasos y pintar de manera fotorrealista, en De hecho, estudié brevemente con Ralph Goings en una clase de maestría en la Universidad Estatal de Arizone.

Pensando que necesitaba una ventaja adicional, me inscribí en la Academia de Arte de Memphis. Amaba la energía de mis compañeros estudiantes, pero estaba decepcionada de mis profesores. Venían de la era de los expresionistas abstractos, minimalistas y, en el mejor de los casos, expresionistas.  Como tal, no pudieron ayudarme a desarrollar mis ambiciones fotográficas. Sin embargo, uno de mis mejores profesores de pintura me sugirió que me pusiera en contacto personalmente con un pintor fotorrealista contemporáneo vivo en los EE. UU. En un intento de estudiar codo a codo con ellos (como los viejos maestros contrataban aprendices para trabajar con ellos en su estudio). Después de algunos intentos, me emocioné cuando el fotorrealista contemporáneo, el difunto Gregory Gillespie, aceptó mi propuesta.

 

 

 

 

 

 

 

 

Pasé ese verano estudiando con Gillespie.  Después de que concluyó mi aprendizaje, y mientras todo lo que aprendí aún estaba fresco en mi mente, decidí ir a algún lado y simplemente pintar. Recordando los años de Paul Gaughan en Tahití, opté por la isla de Jamacia. Con mis pinturas, pinceles y caballete a cuestas, exploré la isla hasta que encontré un pequeño pueblo sin turistas, alquilé una casa, empaqué mis suministros de arte y comencé a pintar en el paraíso mientras bebía agua de coco y cervezas Red Stripe. .

Una vez de regreso en los Estados Unidos, comencé a trabajar como pintor de letreros a tiempo parcial y pintando lienzos la mayor parte del tiempo. En esos primeros días, todavía estaba buscando mi estilo característico, sabiendo que las galerías de arte no representaban a artistas que no hubieran encontrado ese nivel de madurez. Un día, de la nada, ¡tuve una epifanía! En lugar de pintar letreros para empresas, comenzaría a pintar letreros de neón en las carreteras de los años 40 y 50 sobre lienzo, como bellas artes, y los pintaría de manera fotorrealista.

 

 

 

 

 

 

 

 

Grandes lienzos fotorrealistas de los viejos letreros de neón me ganaron una galería tras otra. Miami a Scottsdale, Los Ángeles a San Francisco y finalmente espectáculos individuales en la ciudad de Nueva York. Pasión, trabajo duro y una determinación inquebrantable es la clave. Además de las exposiciones de la galería, en 1998 me nombraron artista artístico con "licencia oficial" para Harley-Davidson, Chevolet / Corvette y Mattel Toys. He estado viviendo mi sueño desde entonces.

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Gucwa en el estudio de Gregory Gillespie.

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Autorretrato de Gillespie.

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Pintura de Richard Estes

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Cuadro Chuck Close

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Pintura de Ralph Goings.

Mi primera pintura fotorrealista,  "Utahna Motel".

Discovering Our Fullest Potential

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Sure, I understand that galleries want to represent quality artists, but they also want their artists to reflect an identifying signature style—something that holds the work together. Works that a collector could identify even without searching for the actual signature of the artist. As a young naive painter eager for gallery representation this is something I wasn’t aware of at the time.

I was 32 years old living in Coconut Grove, Florida. The gallery I wanted to get into was in the neighboring town of Coral Gables. When I had completed six strong paintings, I gathered them up and drove to the gallery. The gallery director slowly studied each of them and finally said, “I’m sorry James, but I afraid we won’t be able to represent you. You’re not yet a mature artist.” I was 32, and at that moment, bewildered. “May I ask what you mean by mature? I asked. Well, you’re a very good artist. Each one of these painting hold up on their own, but they don’t hold together as a group. You have a landscape, a portrait, a still life, urban scene, figure study, and a trompe l’oeil piece. That’s what I mean by ‘mature.’ Please come back with paintings that fit my requirement.”

Normally, it takes an artist an experimental, often frustrating period to find a signature style. Once I found that nitche, I was off and running. For the past 36 years I’ve been painting photorealistic, vintage neon roadsigns with very satifactory results. But after completing hundreds of these paintings, I yearned to try something fresh; a subject or style I’ve never attempted before. The problem was that the galleries representing me were only interested in my neon paintings. This was disappointing. I felt I was trapped and not allowed to find my fullest potential.

Recently, I watched a documentary hosted by the director and assistant director of a large museum. As they walked from painting to painting they commented about the artist or their style. When they came upon one painting, they stopped and the director said, “Thankfully this artist took a step away from his recognized works and began to experiment in new directions. Because he did, he’s now in every major museum in the world.”

The well known painter, Egon Schiel, had this to say on the subject: “The artist must, at all costs, be himself. He must be a creator. He must build the foundation of his new art himself without reference to tradition or the past.”

When Covid hit, wanting to avoid crowds I spent even more time in my studio painting, that’s when I decided to try something different. You might have noticed on my website a page labeled, Available Paintings. There you will find the first few steps I took outside the box. Initially, the first was series of Fauve works, next I painted a few Equine subjects posted on the same page. I knew the galleries representing me would not be interested. I painted them anyway. On another page labeled, Recent Paintings, are several more non-neon works.

I’m currently in the market for a quality gallery that likes some of these more recent subjects who would be willing to show them. In fact, if there was a particular painting they favored, I would be thrilled to paint additional pieces which reflected a similar style. These newer paintings still maintain a quality of painting I have developed over the years. I would ask the gallery to consider that point and allow the artist to express their fullest creativity.

 

In the new renaissance, we get to start over. We get to re-invent ourselves as much as is necessary, without sticking to a particular path for too long if it doesn’t suit our creative needs. Our first job as artists, then, is to venture out, away from what we think we know in search of the new and unexplored. Great artists do this their entire lives, never staying stuck in a single style, even when it brings them wealth and fame. We must always be striving to re-invent ourselves, continuing to build on who we are and what we’ve done.”                                     —Real Artists Don't Starve, Jeff Goins

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Show me the Way
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Vida  como  un  Artista

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Obtener   Empezado

Capítulo I

 

¿Cómo se encuentra el secreto de vivir el sueño en una sociedad que requiere un flujo continuo de efectivo? ¿Cómo salimos de Matrix?  ¿Cómo puede el joven artista mantenerse a sí mismo con las ventas de su arte? La mayoría de los aspirantes a artistas buscan la representación de una galería de arte de calidad, que por lo general no llega de inmediato.

Para obtener esa representación en la galería, el artista primero tiene que encontrar su propio nicho, una dirección. . . un estilo de firma identificativo. En el mundo de hoy, se necesita algo más que ser talentoso. Una galería o un coleccionista quiere que su arte tenga una característica única que mantenga unido su trabajo como una unidad y sea identificable incluso sin su firma. Descubrir ese "estilo personal" a menudo requiere pasar muchas horas de concentración y experimentación en el estudio. Pero siempre hay un problema que siempre se interpone en el camino: esos molestos gastos de manutención.

Cuando el aspirante a artista tiene que trabajar en un trabajo externo para cubrir sus gastos de manutención, significa horas fuera del estudio, una interrupción en la concentración que hace que el objetivo de convertirse en un artista a tiempo completo sea más distante. Si trabaja cuarenta horas a la semana en un trabajo que no disfruta, es posible que al final de la jornada laboral no tenga la energía para comenzar a trabajar en el estudio. Entonces, ¿cómo se puede cumplir el sueño y superar obstáculos aparentemente insuperables?

Para mí, supe desde muy temprana edad que quería pasar mi vida pintando lienzos 'hasta el final. Rápidamente descubrí que el objetivo era más fácil de decir que de hacer. Me di cuenta de que solo podía llegar estableciendo prioridades. Un factor importante que me mantuvo corriendo en la cinta fue la deuda. Si iba a irrumpir en el mundo del arte, me di cuenta de que no tendría que trabajar tanto fuera del estudio si tuviera que pagar menos facturas.

Por supuesto, todos somos diferentes con diferentes necesidades. Algunos pueden vivir con menos comodidades que otros. En mi caso, estaba dispuesto a dormir en mi camioneta si tenía que hacerlo para eliminar el mayor gasto de la lista: una hipoteca o alquiler. Es fácil vivir sin una tarjeta de crédito (al menos para mí lo era). Estar atado con el pago de un automóvil estaba fuera de discusión. Para mí, al reducir los gastos, uno por uno, la vida se volvió menos estresante y exigente, pero para aligerar realmente mi carga, tuve que deshacerme de la mayor carga financiera de mi espalda.  Entonces, me tomé un año libre y compré unos pocos acres aislados y económicos en los bosques de las montañas Arkansas Ozark y, sin ayuda de nadie, construí una casa y un estudio. En ese momento no tenía ninguna experiencia en la construcción.  Solo tuve la feroz determinación de ser libre. 

Obviamente, no todos podemos seguir mi camino poco ortodoxo. Una cosa que podría estar al alcance del aspirante a artista sería usar su creatividad ofreciendo un servicio artístico de algún tipo, como arte gráfico, pinturas de retratos económicos, letreros a rayas o pintados a mano, murales caseros, caligrafía o cien. diferentes iniciativas artísticas que podrían generar suficiente dinero extra para permitirles trabajar a tiempo parcial, en lugar de a tiempo completo. Una vez que se hayan ajustado el cinturón, ese trabajo independiente a tiempo parcial podría ser suficiente para cubrir sus gastos mensuales.  En mi caso, comencé a pintar letreros escritos a mano para pequeñas empresas familiares. Pintar letreros durante una semana me dio suficiente dinero para pagar mis facturas durante un mes y tiempo suficiente para pasar las otras tres semanas en mi estudio desarrollando mi estilo característico. 

Línea de fondo . . . al menos al principio, agilice sus gastos al mínimo eliminando deudas, estableciendo un fondo de emergencia y comprando menos porque toma un tiempo antes de que un artista sea reconocido y establecido hasta el punto en que la supervivencia solo de las ventas de arte sea una realidad.

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